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Scarlet's Walk - un album
de Tori Amos - ::frédéric
flament:: |
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Effluves d’une terre |
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Lorsque nous découvrons l’intriguant concept retenu par Tori Amos pour Scarlet’s Walk – un roman sonore où l’imprécatrice lyrique et sombre d’une Amérique mythifiée plonge profondément dans les méandres de sa nation en confrontant, le long des vagues de l’asphalte chaotique, ses racines irlandaises et cherokees avec les préceptes méthodistes un rien obtus de son père – notre perception est biaisée par son précédent album (le sixième, Strange Little Girl) où la rousse à la voix rauque se grimait pour s’approprier d’un point de vue féminin des chansons d’hommes célébrant l’élégie du beau sexe. Le résultat en était pour le moins inégal dardant une cohérence désenchantée et une violence larvée. En quelques mesures pourtant le timbre guttural désamarré du présent opus aura fait voler en éclat nos réserves pour nous entraîner au coeur d’une vortex inédit, d’une chronique amère où s’entrechoquent, dans une anarchie paisible, la méditation tremblante des désirs et les incantations les plus ésotériques. La chanteuse apparaît sur la jaquette de l’objet dans une posture étonnement sereine, arborant un limpide et |
| gracile élancement de silhouette pour embrasser l’infini ambré et invisible se profilant aux confins d’une voie rectiligne. Elle est notre guide autodidacte – une nonne fantasque égarée – dans la fracture latente et refoulée de la gangue cotonneuse d’un way of life hégémonique et impérieux. L’offrande se niche déjà dans cette mise en scène de son image, aux antipodes de la cruauté méphistophélique et finalement un peu gratuite de Boys For Pele. Pour emprunter le chemin onirique et sacerdotal qui la mènera au rapprochement de ses racines et en la compréhension d’un pays devenu étranger à lui-même elle revêt les haillons oniriques et baroques d’une sémiologue en souffrance. Et sa voix de s’épandre en vertu d’une cartographie hérissée d’expériences, vaste étendue d’imbrications de blessures. |
| L’idée motrice du disque trouve son origine dans les bouleversements secouant l’intérieur (la naissance de sa fille) et l’extérieur du microcosme patenté de la chanteuse (L’effondrement des Twin Towers un matin banal de septembre) ce qui en explique sa portée incisive et empathique – l’auteur cherche à se mettre à la place des personnes qu’elle rencontre ou simplement de son enfant, des êtres ayant en commun d’être esseulés, prisonniers d’un corps autonome qui les dépasse. Pour Tori Amos il ne s’agit plus de dénoncer crûment – vainement argueront certains – ou de déplorer cyniquement mais bien de comprendre et d’esquisser le temps de dix-huit plages au son dépouillé et intimiste l’hagiographie pragmatique de son peuple assoupi, perdu sur sa terre de contrastes. L’histoire est convoquée, transcrite dans une idiosyncrasie qui touche autant la prosodie étonnante que le rut kaléidoscopique de ce vaillant Bösendorfer. Le piano a, en effet, toujours les faveurs de la belle diaphane et ambiguë qui utilise ses harmoniques inquiètes et réfractées pour communier dans une introversion – la confession brutale à la limite de la psychanalyse est un des stigmates fondateurs de son répertoire avec notamment son viol par |  |
| un fan relaté sans ambages dans le sordide et déconcertant Me And A Gun ou ses trois fausses couches resurgissant au détour d’une vocalise déconnectée – subjuguant l’écoute. De fait les instantanés ou polaroïd qu’elle nous rapporte oscillent entre la déréliction et l’extase, le paradisiaque ingénu et la fange abjecte. Et, incidemment, cette peinture tressée envahit la forme musicale, de ruptures en échos. Notre entomologiste susurre entre râles exténués et complaintes crépusculaires (Mrs. Jesus sublime de dérive réprimée) une nouvelle mystique, où voix et instruments se confondent organiquement – si bien qu’on ne saurait subodorer quel flux naît de l’autre pour s’ébrouer avant d’y retourner –, fusionnent dans un paradigme vaporeux, s’accaparent réciproquement en transpirant un idiome vibrant (Crazy et Scarlet’s Walk). Par-là l’artiste entreprend une curieuse transfiguration de son œuvre puisque les chansons semblent à tout moment en avance sur elles-mêmes, nécessitant un bref recalage d’abscisse. Elle invente simplement les mélopées relativistes à capter en mouvement. De fait, elle étoffe pour la première fois son tour de chant en s’associant à un bassiste et à un batteur. Les références à Led Zeplin ou Bela Bartok se font ténues, digérées, pour une création mature enregistrée en Cornouailles avec des collaborateurs de longue date (Jon Evans à la basse, Matt Chamberlain aux percussions et John Philip Shenale arrangeant les cordes du Sinfonia of London) et des nouvelles influences stimulantes (les trois guitaristes Robbie McIntosh, Mac Aladdin et David Torn). |
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Oubliées la frustration et l’angoisse
singulières, la collecte de sensations sur le vaste territoire
américain amplifie la tessiture et l’impact des textes
sonores pour approcher délicatement la prophétie métissée.
Et, ainsi, l’artiste s’ouvre complètement au monde,
converse avec ses contemporains – son aversion pour l’ordre
et la métamorphose de sa démesure frivole et sèche
abolissent toute dimension épistolaire pour adouber le dialogue
total et direct –, se laissant transpercer par la rumeur et l’absolu
gigantisme d’un paysage stratifié, protéiforme et
mutant. Des émanations d’un ciel oppressant (Your Clouds)
aux ondoiements diaprés d’une société (le
pénétrant Strange s’immisce durablement
dans nos psychés comme un gémissement aux entrelacs polysémiques)
l’artiste apponte de façon peu orthodoxe ou flatteuse sur
la détresse et la démission cyclothymiques autant que
la soif de transcendance d’un pays ébranlé et en
manque de repères d’appartenance. Des faits relatés
jadis sous une véranda ombragée et songeuse par son aïeul
amérindien et que la chanteuse rapporte ainsi : «En
Caroline du Nord où, enfant puis adolescente, je passais l’été,
ces histoires étaient nos racines et |
| renforçaient notre sentiment d’appartenance. Mon grand-père Cherokee ranimait ces souvenirs en me racontant des histoires de son peuple. Je ressentais une incroyable compassion pour ce qui leur était arrivé. Je suis sûre qu’avant de mourir, mon grand-père m’a vaccinée contre l’oubli.». Voilà à quoi aspirent finalement ces soixante-quatorze minutes opulentes et sobres, à une piqûre de rappel esquissée pour un melting pot triomphant en proie à la dislocation au premier revers cuisant. La psalmodie lovée dans les interstices de sa composition n’est qu’une litanie léchée contre l’obscurantisme et l’ethnocentrisme, s’effilochant doucement avec une légèreté opalescente. |
Perdue sur un sol policé qu’on nomme Amérique,
pour reprendre sa prose, Tori emprunte le costume candide et épuré
de la jeune Scarlet afin de débrouiller les flashs furieux qui
l’assaillent durant son périple. Monstre, déesse ou
pythie désemparée elle tente avec cette odyssée,
plus que de comprendre, de se poser les véritables questions sur
les tourments qui accablent son pays. Les diverses responsabilités
de chacun, la vision qu’ont les entités du tout qui les enchâsse,
la léthargie intellectuelle et l’apathie morale encouragées,
autant de souffles à recueillir, à explorer. Au-delà
de ces constatations brutes et émotionnelles elle élabore
avec son personnage de substitution «un fil conducteur, un fil dans
notre trame personnelle, qui nous lie et nous relie». Car il s’agit
de déceler, dans une foudroyante et limpide évidence, au
carrefour d’une civilisation hagarde, l’essence d’une
génération et sa fonction revendiquée de relais,
de transmission (Gold Dust) aux dépositaires futurs d’une
contrée exsangue. La hantise d’un album délaissant
les rives provocantes de l’expérimental (musique électronique)
et de l’abstrait pour enfin concevoir «que la musique n'est
pas séparée de la vie, qu'elle n'est pas un divertissement»,
même un aigle prolixe taxé de forfanterie doit se poser (Wednesday)
conclue-t-elle ironiquement. Peut-être pour s’enhardir à
contempler l’horizon et à en invoquer l’insondable
perplexité. 
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frédéric flament |
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